Peindre des paysages : bien choisir les couleurs et créer votre palette

Quel que soit le médium ou la technique de peinture que vous choisissez, il est essentiel de passer un peu de temps sur le choix des couleurs que vous allez utiliser. Dans cet article, nous allons composer ensemble la palette idéale pour peindre des paysages et réussir à faire vibrer nos représentations de la nature.

La palette de couleurs idéale pour peindre des paysages inspirants

Question matériel, je ne vous le répéterai jamais assez : nul besoin de trop s’équiper. J’ai déjà consacré plusieurs articles sur ce sujet, pour le dessin au crayon, ou pour le choix des pinceaux pour la peinture aquarelle.

Pour les tubes de couleur, c’est la même chose. Inutile de dévaliser les magasins de beaux-arts : en jouant avec quelques teintes et nuances, vous pouvez créer une palette de couleurs très vaste et largement suffisante pour réussir à peindre des paysages réalistes et sensibles.

Mais il faut apprendre à faire les bons choix, puis les bonnes combinaisons, en fonction de ce que vous voulez peindre. C’est tout l’objet de cet article. On ne parlera pas ici de mélange mais plutôt d’associations de couleurs, car l’important est de comprendre comment les teintes se répondent et dialoguent ensemble, pour réussir à susciter des émotions.

Définir en amont l’ambiance de notre peinture

En premier lieu, posez-vous les bonnes questions :

• – Quel est mon sujet ?

• – Qu’est ce que je veux transmettre émotionnellement ? De la tristesse ? De la joie ? Une atmosphère calme ou plutôt dynamique ?

• – Représentez-vous le plus possible, en amont, l’harmonie générale de l’image et de l’ambiance colorée que vous souhaitez créer.

Et n’hésitez pas à noter les couleurs que vous imaginez sur vos croquis préparatoires : cette technique de peinture est utilisée par les plus grands, afin de ne rien laisser au hasard.

L’utilisation des couleurs primaires, une base de la peinture

Bien sûr, les couleurs primaires sont indispensables sur votre palette. Elles sont trois (bleu cyan, rouge magenta et jaune citron) et en les mélangeant entre elles, vous pouvez obtenir une palette de couleurs bien plus étendue. Dans cet article, je vous donne toutes les techniques de base pour peindre avec un mélange de couleurs primaires.

La magie des couleurs complémentaires

Mais savoir mélanger les couleurs primaires ne suffit pas. Ce qui crée la magie dans une peinture, c’est l’association et l’opposition des couleurs entre elles. Elle doivent se répondre et s’accorder pour créer l’ambiance et la lumière de la toile. L’équilibre à trouver est subtil. Il faut utiliser plusieurs techniques de peinture :

• – savoir décliner les teintes proches
• – créer des opposition tranchées pour obtenir de vifs contrastes

Pour cela, il existe un concept indispensable à connaître : les couleurs complémentaires. Elles jouent un rôle fondamental dans la création d’harmonies visuelles et d’effets de contraste. Apprendre à comprendre ces couleurs et savoir les utiliser peut transformer une peinture sans caractère et sans relief en une pièce vivante et dynamique.

Comment bien utiliser les couleurs complémentaires pour créer votre palette ?

1 – Créer du contraste

Les couleurs complémentaires sont des paires de couleurs qui, lorsqu’elles sont placées côte à côte, produisent un contraste élevé et augmentent l’intensité visuelle de chacune. Les associer permet d’obtenir un rendu harmonieux et subtil.

Pour les repérer, il suffit d’observer le cercle chromatique ci-dessus. Les couleurs complémentaires sont situées à l’opposé.

Exemples de couleurs complémentaires :

• – Le rouge et le vert
• – Le bleu et l’orange
• – Le jaune et le violet

Ces couleurs se complètent bien parce qu’elles contiennent chacune des couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) mais jamais les mêmes. Par exemple, le vert est composé de bleu et de jaune, et sa complémentaire, le rouge, est une couleur primaire qui n’est pas présente dans le vert.

2 – Créer de la profondeur et du volume

2. Les couleurs complémentaires peuvent également être utilisées pour créer de la profondeur et de la dimension. Par exemple, en appliquant une couleur complémentaire dans les ombres ou les reflets, un artiste peut donner plus de volume et de réalisme à ses objets peints. Une ombre bleutée sur une surface orange, par exemple, peut donner une impression de profondeur et de dimension plus riche.

3 – Bien doser ses couleurs complémentaires

Maintenant que vous connaissez les atouts des couleurs complémentaires, prenez garde à rester subtil. Si vous mettez trop de contraste dans votre peinture de paysage, vous risquez d’écraser la composition globale de votre toile. Il est donc essentiel de comprendre comment doser et utiliser subtilement vos couleurs complémentaires.

Par exemple :

• – Plutôt que d’utiliser des couleurs pures, on peut mélanger une petite quantité de la couleur complémentaire dans la teinte principale pour atténuer l’intensité et créer des tons plus complexes.
• – Utiliser une couleur complémentaire dans de petits détails peut renforcer des éléments spécifiques avec légèreté, pour amener des nuances sans que cette couleur domine la composition.

Johannes Vermeer, “Femme en bleu lisant une lettre”, 1662-1665

Dans cette œuvre, l’association du bleu et du beige est très efficace, elle suit les principes de complémentarité des couleurs et cela illumine et met en valeur le sujet principal. A noter que les couleurs ne sont pas brutes. Les mélanges sont subtils, et cela accroit la sensibilité et la beauté du rendu.

Créer des nuances de couleurs subtiles pour peindre des paysages réussis

Revenons à la peinture des paysages. Réussir à rendre compte des jeux de lumière et des nuances infinies de la nature n’est pas chose facile. Pour cela, il nous faut réussir à créer la palette la plus subtile possible.

1 – Repenser à l’atmosphère générale de votre peinture

Comme nous l’avons dit précédemment, repensez à l’ambiance que vous souhaitez créer et aux émotions que vous souhaitez véhiculer dans votre peinture.

A bigger grand canyon, David Hockney, 1998

Par exemple, dans cette œuvre, le peintre David Hockney a choisi des couleurs vives pour sa représentation de grands canyons. Le rendu et le style ne sont pas réalistes, mais c’est délibéré : le peintre a souhaité représenter une ambiance très ensoleillée et lumineuse, presque saturée. Pour cela, il a utilisé ces teintes vives dont certaines sont brutes, sans mélange. L’effet est réussi : le soleil est omniprésent dans cette peinture.

2 – Souffler le chaud et le froid dans vos paysages

Autre technique pour donner du caractère à votre peinture : n’hésitez pas à jouer avec les couleurs chaudes (du jaune au rouge en passant par les orangés) et les couleurs froides (bleu, violet…).

Choisissez une dominante chaude ou froide pour votre peinture au global. Et ajoutez ensuite quelques touches de l’autre température. Cela attirera l’œil du spectateur tout en équilibrant l’ensemble de votre composition.

3 – Moduler l’intensité et la saturation sur votre toile

La nuance, c’est l’intensité, le degré plus ou moins fort que peut prendre une même couleur. Il est donc important de savoir moduler les teintes. En ajoutant à la teinte des couleurs complémentaires ou du gris, vous pouvez faire varier votre intensité ou votre saturation.

4 – Technique pour varier la lumière en peinture

La valeur fait référence à la luminosité ou à l’obscurité d’une couleur. En jouant avec les valeurs, cela permet de créer des illusions de lumière, d’ombre et de volume dans une peinture. En général, on les divise en trois catégories :

• Les valeurs claires : Les couleurs qui se rapprochent du blanc.
• Les valeurs moyennes : Les couleurs qui se situent entre le blanc et le noir.
• Les valeurs foncées : Les couleurs qui se rapprochent du noir.

Par exemple : un violet profond se rapproche du noir (valeurs foncée) et un jaune primaire du blanc (valeur claire)

New York movie, Edward Hopper, 1939

Dans ce tableau, Edward Hopper a soigneusement choisi les couleurs pour mettre en valeur l’ouvreuse de ce cinéma, son sujet principal. Il utilise les couleurs complémentaires jaune et bleu pour la contraster et la place dans un halo de lumière en utilisant des valeurs claires. Ele ressort d’autant plus que l’artiste a plongé les autres personnages de la scène, les spectateurs, dans l’obscurité, en utilisant des couleurs foncées.

Comment moduler la lumière de ses sujets ?

1- Avec du blanc et du noir : La manière la plus classique est de moduler votre teinte en ajoutant du blanc ou du noir pour la transformer. Le noir aura pour effet d’approfondir la teinte et d’en accentuer les contrastes. Le blanc, lui, éclaircira la teinte (par exemple en passant du rouge au rose). Et en ajoutant une pointe de gris,  cela vous permettra de casser la teinte et d’influer sur l’ambiance lumineuse en la désaturant.

Christina’s world, Andrew Wyeth, 1948

Ce tableau d’Andrew Wyeth est exposé au musée du MoMa à New York. Dans ce paysage champêtre et a priori paisible, le peintre parvient à instaurer une atmosphère bien plus complexe et tourmentée avec des teintes grisées et désaturées. L’artiste crée des illusions de lumière avec des pointes de gris dans la robe de la jeune fille, le champ et les maisons en arrière-plan.

2- En associant des tons clairs et obscurs

Cap Gris-Nez, Nicolas de Staël, 1954, huile sur toile

Dans ce paysage, par exemple, le vert profond et sombre en premier plan contraste avec la teinte bleutée et lumineuse de l’arrière-plan, ce qui accentue la perspective. Le traitement graphique est ici quasi-abstrait. Mais l’harmonie des couleurs est proche de la réalité.

Petit plus : l’association de variantes de gris à une teinte unique fonctionne parfaitement. Comme dans cette toile ou Nicolas de Staël nous transmets l’idée de nature et de paysage de façon minimaliste et épurée.

Nicolas de Staël

3- Des verts lumineux aux plus sombres pour faire vibrer vos paysages

L’utilisation du jaune est une base fondamentale pour peindre des paysages. Et en ajoutant du jaune au vert olive par exemple, et en créant des gradations, l’impression de contraste lumineux sera encore plus intense.

Aquarelle, Herman Pekel

Dans ce paysage, on voit comment l’artiste a modulé différentes teintes de vert, en ajoutant du vert au noir, et en conservant le jaune vif comme la lumière la plus intense.

N’hésitez pas également à faire vos propres tests, en associant des teintes vives et lumineuses à des teintes cassées. Cela vous permettra de mettre en valeur certains éléments d’une scène, par exemple.

4- Les couleurs indispensables pour peindre des soleils couchants ou levants

Pour créer ce type de scène, il faut choisir les bonnes couleurs et surtout les moduler en fonction de l’intensité du soleil que vous souhaitez représenter.

Le port au soleil couchant, opus 236 (Saint-Tropez), de Paul Signac, 1892

Dans ce tableau impressionniste, on notera la présence de orange léger, de roses et bleu pales, pour les teintes de ciel, mais aussi de bleu violacé et de violet. Une teinte qui simule la perspective atmosphérique et traduit le lointain.

Port de mer au soleil couchant, Claude Gellée, dit aussi “Le Lorrain”, 1639

Dans un style plus classique, cette peinture à l’huile exposée au musée du Louvre est très intéressante à observer. Les teintes rose et bleu installent l’ambiance de fin du jour. Et on saisit bien la notion de perspective atmosphérique avec les personnages et les bateaux en premier plan plutôt sombres, et les couleurs beiges qui s’atténuent en fonction de l’éloignement.

Conclusion

L’observation de ces quelques toiles et ces conseils devraient vous aider à bien choisir vos couleurs et à composer votre palette. N’hésitez pas à préparer des nuanciers en imaginant l’atmosphère générale de la peinture que vous souhaitez représenter. C’est en ayant une idée précise de l’émotion que vous voulez faire passer que vous ferez les bons choix de nuances et de luminosité.

Et surtout, n’ayez pas peur de l’échec et prenez du plaisir en jouant avec les teintes et les pigments.

Bonne peinture 🙂

Léo.

Vous souhaitez passer à la mise en pratique et peindre un paysage en créant un nuancier simple ?

Dans ces 2 vidéos : 1H20 de formation gratuite, je vous détaille tout sur les premiers gestes, l’utilisation de l’eau…

Nous réalisons ensemble un paysage de A à Z et je vous détaille chaque étape progressivement.