APPRENDRE LE DESSIN VIVANT : DÉVELOPPER VOTRE CRÉATIVITÉ ET VOTRE SENS ARTISTIQUE

Comme il existe mille façons de regarder un sujet, il existe mille façons de le représenter. Et même si l’apprentissage passe avant tout par la technique, il est important de ne pas négliger la partie artistique de la discipline.
Apprendre le dessin peut en plus s’avérer ennuyeux, surtout quand on à tendance à refaire les mêmes exercices. Voici quelques conseils pour casser la routine, développer votre créativité, et stimuler l’artiste qui est en vous 😉

1/Conserver le dynamisme de votre croquis

Les croquis préparatoires sont souvent de vrais révélateurs de notre style, de notre manière de dessiner et de notre niveau. Une erreur que nous faisons tous (surtout lorsque l’on débute), c’est de gommer et de vouloir rendre notre dessin trop propre. C’est souvent à cette étape, en voulant trop bien faire, que l’on perd le dynamisme et la spontanéité de notre croquis.

Exemple :

Ici certains traits n’ont pas été gommés, ce qui donne plus de dynamisme et de mouvement à ce dessin.

CONSEIL : Avant de gommer, prenez du recul ! Prenez le temps de repérer et d’analyser les points forts de votre croquis. Cette étape de préparation sert aussi à ça, ne l’oubliez pas. Un dessin propre n’est pas forcément un bon dessin. Mieux vaut quelques imperfections qu’un rendu trop figé.

2/ Faire un dessin contrasté aux bons endroits

Faire vivre une image, c’est aussi saisir l’éclairage et trouver le bon compromis entre l’ombre et la lumière. C’est une des bases de l’apprentissage du dessin. Là encore, on a tendance à croire que des dégradés propre et bien estompés font forcément un dessin parfait. C’est évidemment un piège (eh oui, encore un ;)). Des hachures ou des coups de crayons plus apparents apportent souvent plus de rythme et de dynamisme que de beaux dégradés.

Exemple :

Voilà l’exemple d’un dessin magnifiquement contrasté. Le traitement des ombres varie selon les endroits du corps. Notez que là aussi certains traits n’ont pas été effacés et la tête est juste esquissée, ce qui donne un impact supplémentaire aux parties du corps plus travaillées.

CONSEIL : Encore une fois, pas de précipitation. Ne prenez pas votre crayon le plus gras pour vous empresser de foncer votre dessin. Repérez bien d’où vient la lumière ou les différentes sources lumineuses, et à l’opposé les zones d’ombres. Commencez toujours par les délimiter légèrement avant de les noircir. Là encore, vous n’êtes pas obligé de marquer toutes les zones d’ombre pour faire vivre votre dessin.

3/ L’importance du cadrage en dessin

Savoir cadrer c’est savoir trouver les bonnes limites à son dessin pour lui donner le plus de force possible. Deux sujets identiques cadrés différemment peuvent non seulement avoir un impact mais aussi un sens totalement différent pour le spectateur. Beaucoup de dessinateurs négligent cette notion, qui est en réalité l’une des étapes les plus importantes de la création, les auteurs de BD le savent bien.

Exemple :

Ce cadrage rend cette scène plus vivante, car elle permet au spectateur de s’identifier au personnage et de saisir l’émotion du visage . Un plan plus lointain (laissant apparaître l’homme par exemple) aurait sans doute été moins intense.

CONSEIL : Pour bien cadrer, rien ne vaut quelques croquis préparatoires pour imaginer la meilleure solution possible avant de vous lancer dans un dessin finalisé. Faites de préférence de petites vignettes avec les éléments principaux de votre dessin. Cela vous fera gagner du temps et vous permettra de faire rapidement plusieurs essais. C’est un très bon réflexe/exercice et, à force de pratique, vous verrez que cette étape de recherche vous paraîtra naturelle.

4/ Observer et expérimenter différents styles

Dans le domaine artistique comme dans beaucoup de disciplines, la première des qualités est la curiosité. Bien observer une œuvre, en repérant la technique utilisée, la manière de faire, l’originalité, est un exercice fondamental pour apprendre le dessin. C’est aussi un moyen de s’imprégner de l’univers et de la sensibilité de l’artiste.

CONSEIL : Pour mieux analyser la technique et l’approche artistique d’un maître, quoi de mieux que de s’essayer à la copie ? N’hésitez pas à reproduire une œuvre, même si cela vous paraît inaccessible. Il ne s’agit pas de les copier sans réfléchir mais de s’imprégner de leur créativité pour mieux comprendre leur cheminement artistique. Marcher sur leurs pas sera forcément bénéfique et vous aidera, à terme, à développer votre propre style.

 5/ Développer votre créativité, stimuler l’artiste qui est en vous

Apprendre à dessiner ou à peindre, peut rapidement devenir une routine. Cette discipline est et doit rester avant tout pour vous un espace de liberté. Si vous pratiquez toujours les mêmes exercices, vous vous ennuierez, ce qui freinera rapidement votre motivation et votre créativité. L’expérimentation est donc un bon moyen de rester en éveil et de conserver votre plaisir de dessiner.

CONSEIL : Dans notre discipline, l’une des meilleures méthodes pour garder l’esprit ouvert est de pratiquer le croquis. Dessinez chaque jour (ou très régulièrement) ce qui vous passe par la tête, sans contrainte et sans trop réfléchir. Pratiquer le dessin de cette manière, sans vous mettre de pression, sans avoir peur de rater et en lâchant votre trait, vous aidera à vous libérer et à développer votre créativité. Faites régulièrement cet exercice (même 5 minutes par jour) et vous constaterez rapidement une évolution dans votre manière de dessiner.

Voilà pour ces quelques petits conseils qui m’ont personnellement aidé dans mon apprentissage et qui, je l’espère, vous seront utiles. Et n’oubliez pas, ouvrez l’œil et prenez bien soin de l’artiste qui est en vous 😉

Bon dessin à tous,

Léo.